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Colectivos de ilustración

Hola ilustradores y artistas de corazón!, al fin pude volver con ustedes para comentarles de otro tema muy importante en el mundo de la ilustración.

Los colectivos son un tipo de agrupación que se da especialmente en nuestra área y desde que estudiaba me llamó mucho la atención. Tuve oportunidad de asistir a varias charlas de colectivos y escuchar de otros, como el conocidísimo Siete Rayas, las Pinkit, y en su tiempo las grupoacuarela que tenían varios seguidores en especial los amantes del animé.

Seguro que a más de alguno nos han dado ganas de formar un colectivo con amigos, pero a medio andar comenzamos a darnos cuenta que además de “buena vibra” entre los participantes, requiere mucho trabajo y motivación constante. Y de eso nos van a contar dos grandes amigas ilustradoras: Catnigel y Hanami, quienes juntas conforman el colectivo Holiday.

“Las fundadoras son dos jóvenes estudiantes de Publicidad, Catalina (Catnigel) y Stephanie (Hanami).Cada quien se desarrolla en diversas actividades según su manejo de áreas (escritos, diseños, ilustraciones, manualidades, entre otros); pero al trabajar juntas, buscamos nuevas oportunidades de aprendizajes a favor del progreso del colectivo y de nosotras mismas.”

¿Qué significa ‘Holiday’ para ustedes, y porqué escogieron ese nombre para su colectivo?

“Holiday significa literalmente: día de fiesta. También se le puede definir como un día de descanso o libertad, a fin de cuentas, es de aquellos días que solemos esperar con muchas ansias y cuando llegan, procuramos disfrutarlo al máximo. Al crear el Colectivo Holiday, nuestra intención era darnos a conocer de forma más profesional pero sin esclavizarnos, nuestra idea es buscar un espacio cómodo y llamativo para desarrollarnos como personas y artistas.”

¿En qué momento estaban cuando se decidieron a ‘unir fuerzas’ como un colectivo?

“Cuando nos dimos cuenta de que existía una necesidad entre nosotras, de crear cosas en concreto, obteniendo respuestas también concretas de otras personas.  Con la idea planteada, fijamos un día específico para juntarnos y coordinar los últimos detalles, la gracia era usar los conocimientos que hemos ido aprendiendo con los años y potenciarlos. Decidimos el nombre y empezamos a diseñar el logo. Pasamos por muchos diseños de imagen y también modificaciones del nombre del colectivo; en un principio se llamaba Holiday 8 march, a honor del día en que nos decidimos a unirnos, de hecho uno de los logos anteriores se podrá ver en nuestro primer proyecto de colectivo, una serie de libretas diseñadas por nosotras. Ahora, ya hemos cambiado a nuestro logo definitivo, pero cabe decir que este sigue manteniendo la idea central del original.”

¿Qué objetivos debe cumplir un colectivo?

“Un trabajo constante que permita convertirlo en una herramienta de trabajo, además contribuye a darle más seriedad a este mismo, estableciendo cierto orden e imagen frente al cliente y el público expectante de nuestros proyectos.”

¿Qué ventajas tiene en relación a trabajar solo? ¿Tiene alguna desventaja?

“Los proyectos planteados pueden ser mucho más producidos, también, existe el nexo de constante crítica constructiva lo que permite llegar a mejores resultados; además de la construcción del clima laboral, ya que cada uno es libre de participar, sin ataduras, manteniendo un buen ánimo en todas las reuniones. El problema está que cuando alguien del equipo falla, el resto, puede verse afectado o retrasado, incluyendo también la posible pérdida del mismo proyecto.”

Como me decían, ustedes están en proceso de crecimiento, ¿qué es lo más difícil a lo que tienen que enfrentarse trabajando juntas?

“Mantener la constancia. En un inicio teníamos las ideas muy claras, los días en que más o menos íbamos a trabajar, junto a otros detalles para poder mantener el “ritmo”; pero conforme pasaba el tiempo y la inclusión del ingreso a clases, no logramos mantener un ritmo fijo debido a que nos dejamos influenciar por una cosa u otra, lo cual no ayuda a mantenerse activamente participando. Por ende, tener un ritmo fijo de trabajo es en extremo difícil de lograr, aunque no imposible.”

¿Qué proyectos tienen como colectivo? ¿Qué actividades “extra laborales” (o sea, fuera de los trabajos o encargos que les llegan) les gustaría realizar como colectivo?

“Ahora queremos dedicarnos al diseño de papelería, ya estamos en la etapa final del proceso de nuestra primera tanda de libretas, productos que planeamos comercializar y vender. La idea es asistir a alguna que otra feria para poder venderlas con mayor facilidad, pero mientras tanto coordinaríamos las compras y pedidos por internet. Las otras actividades “extra laborales” las vamos conformado, a medida de las reacciones que tengamos de este primer proyecto: las criticas, preferencias y recomendaciones de los consumidores; planteándonos nuevos formatos de difusión de algunas de nuestras obras. Por el momento, las ideas que han surgido, las vamos conservando en una libretita especial donde anotamos todos nuestros avances, algo así como una bitácora de colectivo.”

¿Cómo organizan su tiempo para tener la disposición para proyectos del colectivo, y proyectos personales de cada una?

“Con respecto a los proyectos personales de cada una, cada quien organiza sus propios horarios, por lo que cuando necesitamos un día de colectivo, fijamos una fecha y nos juntamos desde temprano para trabajar y coordinar. Hecho esto, el resto fluye por sí mismo, pues una vez tenemos clara la idea trabajamos incansablemente hasta terminarla; por ejemplo, antes del día de la junta creamos un itinerario de las actividades a realizar ese día: última revisión del proyecto (puesto que es muy diferente conversar una idea por algún medio de comunicación en vez del cara a cara), conteo del capital a necesitar para el proyecto, almuerzo y la búsqueda de materiales. Obtenido todo lo del día, concordamos el siguiente para la realización de este… y así conforme a los requerimientos del trabajo a realizar.”

¿De qué modo ustedes se han organizado para dividir los pagos que reciben de sus clientes?

“Tomamos en cuenta los materiales ocupados, más una cantidad necesaria para sustentar al colectivo en caso que se necesite nuevos implementos; buscando autofinanciar lo que hemos creado. Al menos como proyecto de colectivo nuestra idea es darnos a conocer, así que no estamos del todo interesadas en el ingreso monetario. Pues en esta instancia lo prioritario es establecer proyectos capaces de hacer circular nuestros trabajos e imágenes en diversos formatos. Esperando en un futuro permitirnos generar mayores oportunidades de trabajo.”

¿Cómo definirían sus fortalezas como colectivo?

“La virtud de estudiar Publicidad es que te enseñan un poco de todo, como ambas estudiamos lo mismo cada una de nosotras tiene diferentes fortalezas. Catnigel tiene mayor capacidad de conceptualización gracias a su curiosidad profunda en las artes visuales a través de diferentes técnicas; mientras que Hanami aunque también posee habilidad gráfica, a diferencia de Catnigel tiene más facilidad en la escritura y redacción (aunque eso, según ella es mas por su obsesión por la lectura). Somos adictas a los medios de comunicación, por lo que tenemos muchos referentes para inspirarnos. Trabajamos bien en equipo y al conocernos hace ya sus buenos años, nos decimos las cosas directamente, esto nos permite mejorar día a día 🙂 .”

Espero esta entrevista les haya aclarado algunas dudas, y se animen a tomarse el mercado con colectivos originales y profesionales. Como pueden imaginar los medios cibernéticos como los blogs, páginas de facebook, linkedin, twitter, entre otros, permiten una difusión más efectiva al emerger como ilustradores individuales o colectivo. La unión hace la fuerza, por eso si tienen la oportunidad de conocer amigos talentosos en diferentes áreas, no duden de tenerlos en cuenta para proyectos conjuntos.

Para conocer un poco más de estas colectiveras emergentes que nos regalaron un poco de su tiempo para compartir su experiencia con nosotros, pueden visitar su blog o su página en facebook. Aprovecho de invitarlos también a visitar el blog de la agrupación con la que estoy trabajando (y que me mantiene media ausente también para poder postear más seguido), se trata de Cirugía, y pronto les estaré contando un poco más de qué se trata y cómo un ilustrador se puede desarrollar en esta área.

¡Muchas gracias por visitar la Bitácora y dejar sus comentarios! si desean sugerir un tema o tienen una duda, no duden en expresarla en los comentarios, y nos estamos viendo pronto! : )

 

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Publicado por en septiembre 6, 2011 en Ilustración

 

Un encargo de principio a fin

Todos los profesionales siguen algún método, estructura u orden de trabajo, es así como todas las pequeñas y grandes cosas que conocemos son lo que son hoy. Un científico, sigue un método que se adecúa a obtener la mayor cantidad de pistas que le permitirán deducir y explicar un suceso determinado; un investigador, seguirá algunas pautas que le ayudarán a obtener una conclusión. Y un artista también requiere de un método, aunque bastante distinto, es lo que le ayudará a entre otras cosas, definir su estilo y ser más eficaz a la hora de resolver un encargo.

No te debe sorprender que a veces empieces un proyecto personal y en el intentar llevarlo a cabo con cierta frecuencia, te veas desanimado a la mitad porque las ideas parecen huir de ti. O también, un cliente se acerca a ti con un encargo específico, pero la creatividad se te esfuma al momento mismo de tener claros los detalles del encargo.

El método es personal

Para un ilustrador es algo difícil llegar a definir cuál es su proceso de trabajo. Así como hay variedad de personalidades, hay variedad de formas de trabajar. Por eso la primera tarea para un ilustrador es comprender dónde empieza su proceso creativo.

Si bien, puedes inspirarte en cualquier cosa (esos extraños momentos de iluminación que hacen que aparezca una idea genial) no siempre tendrás la fortuna de obtener una idea genial de la nada. Muchas veces verás que tienes que “forzarte” a sacar algo de “alguna parte”, y tu gran duda es ¿de dónde lo saco?

Primero que nada debes comenzar por ti.

En el caso de un proyecto personal, la pregunta que reiteradamente debes hacer es: ¿Qué es lo quería decir? ¿Qué me motivó a hacer este proyecto?. Revivir el origen de nuestra motivación, puede reforzar nuestra creatividad, como un segundo, tercer, y enésimo empuje. Hace poco leí Persepolis, y a la mitad de la lectura pensé “Esta chica dice cosas interesantísimas, y es increíble que la temática sea casi únicamente su propia vida y sus experiencias, tal vez ella, mientras lo realizaba, se preguntó muchas veces ¿por qué estoy mostrando así mi vida? ¿porqué tengo necesidad de contar mi vida?”. Tal vez las autobiografías sean uno de los proyectos más llevaderos (siempre y cuando el pudor extremo no se interponga), pues el ser humano siempre tiene la necesidad de contar lo que está viviendo. Más aún, un artista, siempre tiene algo para decir.

La cosa se complica cuando es un cliente el que trae la idea (el concepto, al menos)… pongámoslo así: tienes que hacer que la salsa de tomate parezca la cosa más bella e interesante del mundo, e incluso, debes reflejar la imagen mental que el cliente tiene en su cabeza. Es normal que como dibujante lleguen a ti con temáticas que ni siquiera te emocionen, pero he ahí la magia.  Aún sin interés en el tema, sin emoción comprometida, el mismo desafío de hacer algo original y creativo ahí donde aparente no lo había, hará de ti un ilustrador exitoso.

Tus ideas (las soluciones a los encargos) no se accionan con el mismo botón siempre. Obsérvate, a veces te darás cuenta que hay melodías que te incentivan a crear o imaginar, o salir a un lugar, conocer cosas nuevas, compartir con amigos. Otras veces, un artista en particular, un escritor o un poeta, incluso otro ilustrador: que te hace suspirar con sólo ver sus magníficas obras. Personalmente, si algo me ayuda es tener una muralla al menos llena de recortes de artistas que me gustan, mezclados con bocetos míos, y artículos “cute” o curiosos, frascos (vacíos por lo general) y mis materiales a mano. Esto es un trabajo diario, es “alimentarte visualmente” con frecuencia, a diario deberías dedicar un momento para mirar tu alrededor, las cosas no ocurren hasta que te mueves. Si no puedes salir, pues, busca por internet cosas que no tengan relación entre sí, o mira una revista (de lo que sea) de ahí viene el asombro.

Referentes: “que se parezca a…”

Después de un tiempo, esto no te parecerá tan horrorizante. A veces los ilustradores y dibujantes nos descorazonamos porque cuando mostramos una obra de la que nos sentimos orgullosos o al menos satisfechos, alguien se acerca y nos dice “me recuerda a…”. Todos queremos ser originales y crear algo que jamás nadie ha visto, y que por dentro se digan “¡ojalá se me hubiera ocurrido esa idea a mí!”.

Hasta esas impresionantes innovaciones tienen un referente. Un referente es algo que mezclado con cientos de cosas más, te ayudarán a crear algo nuevo. Es así como… las experiencias sentimentales, la voz, colores psicodélicos y retratos de animales, dan como resultado las hermosas ilustraciones de Julia Pott. Piensa que además de lo que estas viendo, y la investigación que harás, están tus experiencias y tus gustos involucrados. De una u otra forma, todo lo que eres se reflejará en tus obras. Entre más conozcas tus referentes internos, mejor definirás tu estilo, y se te hará más fácil buscar referentes externos para siempre ir renovándote.

Afortunadamente, hay veces que el cliente llegará con una gama de obras posteriores que han utilizado su empresa o, imágenes de su propio gusto y te dirá “quiero que sea como esto”. Y te señalará o te describirá su idea. Procura siempre ver y hablar con el cliente en persona, así puede explayarse mucho mejor y quedan menos cabos sueltos respecto a su imagen mental. Lo desconcertante será si desean que hagas una copia de algo… Entre nosotros, siempre es mejor poder crear algo nuevo y creativo, sólo con algunas directrices, ¿no?

Otras veces, serás tú el que, una vez recibido el encargo, tendrá que recolectar una gama de referentes y presentarlos al cliente, para que él mismo pueda aclararse de su idea. Es un mal muy expandido en este y otros rubros, que el cliente no tiene bien claro lo que quiere. Piensa que es una gran oportunidad para inseminar la mente del cliente, por eso, lleva siempre trabajos anteriores tuyos, y algunas obras que te inspiren. También, si se trata de un proyecto de una empresa que lleve años haciendo encargos artísticos, busca obras anteriores, y la línea gráfica de la empresa.

Los referentes serán una especie de marco o lente que permitirá a tu creatividad proyectarse hacia la obra final. Te ayudarán a no salirte demasiado de la línea gráfica esperada, y a la vez explayarte en ideas conceptuales más potentes.

Quiero moestrarles un ejemplo de referentes para un encargo de un librillo, que me dio el cliente. La idea era que las ilustraciones estuviesen inspiradas en una canción llamada Sol de Invierno:

   

Bocetaje, primeras ideas plasmadas

Una vez tengas claro los referentes, y hayas hecho una investigación acerca de todo aquello que desconoces y que atañe directamente el encargo… puedes comenzar a tirar tus primeras líneas. Lo cierto es que el bocetaje y las ideas pueden comenzar a aparecer incluso cuando el cliente está explicándote de buenas a primeras el encargo. Otras no, te bloquearás, y pasarás días dando vueltas sin que venga un sólo trazo a tu mano.

Si esto te pasa, lo mejor que puedes hacer es comenzar a hacer líneas. Si eres de los que se asustan con superficies muy blancas, o te causa reverencia y crees que se ven mejor así pulcras, hazte el ánimo de “ensuciar” un poco el ambiente. Tal vez sea hora de ir a la librería y comprar hojas de colores, o de esparcir un par de manchitas de té alrededor de la hoja. A eso se le llaman “accidentes positivos” o “chiripazos”: los mejores efectos visuales se logran por meros errores o descuidos de oficio.

Hay dibujantes que harán docenas y docenas de bocetos. Esto es saludable en el sentido de que tendrás mucho para comparar, y antes de lanzarte a hacer algo definitivo (o aparentemente definitivo) estarás más seguro de lo que quieres lograr. También, a la hora de presentar al cliente “algo” del avance, podrás mostrarle uno o varios bocetos que reflejen tu idea, y en compañía de los colores, texturas, y técnicas que sólo están en tu cabeza (y que deberás explicarle con lujo de detalle), darán origen a la obra final.

Pero si no tienes la costumbre de hacer muchos bocetos, no te preocupes… tanto. A veces verás que con un par de bocetos logras lo que tenías en mente, y con eso te sentirás seguro. Esto agiliza el proceso. No obstante, intenta siempre dar algunas vueltas sobre tus ideas, para ver si surgen más. Hay un extremo, en el que sólo muestras uno de esos esqueletos de círculos y palos, y un par de rayas y pretendes que el cliente te entienda… eso es pedir bastante, tal vez en unos años cuando tu estilo y tu calidad sean reconocidos, puedes hacerle esa jugarretaal gerente de Coca Cola, pero antes de esto, es mejor que te asegures con convencer con una idea que también te ayudará a guiar tu ejecución posterior.

Siguiendo el ejemplo anterior, los bocetos que realicé estaban más inspirados en la canción (que debo haber escuchado decenas de veces) y sus “colores” que en los referentes mismos, poco a poco, el cliente mismo fue explicitando la imagen mental que tenía, terminando en el cuarto boceto:

La hora de la verdad

Antes de comenzar con el trabajo final, el proceso de bocetaje debe haber dejado a ambas partes conformes en cuanto a la imagen final que se pretende lograr. También en relación a los plazos, debes estar seguro de cumplir por tu parte con lo que “prometes”, y a la vez, el cliente cumplir con las suyas (entre otras, los pagos, y si tiene que enviarte alguna información que sea a tiempo y dentro de los plazos acordados).

Antes de ponerte a trabajar, dispone bien tu ambiente de trabajo. Mantente seguro de tener todo lo que necesitarás, o por lo menos, saber a qué hora cerrarán la librería y el supermercado (tendrás hambre súbita, te lo aseguro). Esas compras esporádicas de tinta o galletas, son una especie de snorkel que te dará aire cuando más sumergido te encuentras en el trabajo. Hay otras interrupciones que escapan a tu control, son inevitables e inesperadas, por eso, siempre intenta organizar tu tiempo antes de comenzar a trabajar. Lo que le dices al cliente que demorará (si te da la opción de negociación, claro) debe ser un poco mayor a lo que crees que será el tiempo que te tomará. Con la experiencia serás realista y pondrás plazos reales, pero al principio es normal subestimar o sobreestimar tu rapidez (y también, tu voluntad y concentración).

Recuerdo una charla donde un ilustrador estaba contándonos sobre un libro que debió realizar, se tomó más meses de lo programado, convenciendo a su cliente que ya estaba en marcha y faltaba poco… y cuando por fin puso manos a la obra, había olvidado el tamaño final de las ilustraciones. ¿Cómo le preguntas al cliente, luego de cinco meses, el tamaño del encargo, cuando se supone que ya tienes casi todo hecho?

Otra razón por la que desearás tener más tiempo (siempre) son esos accidentes.. como que te caiga tinta china o tu café sobre el dibujo… o que la impresora se dañe o se acaben los tonner. Dominar un poco de retoque digital hará maravillas en tu obra final, siempre que esta clase de accidentes ocurran.

Bueno, y cuando terminas la obra (o las obras), de seguro sabrás cuáles son los defectos de cada una. No te preocupes, por lo general no se notan, sólo las notas tú. Por eso siempre es bueno tener una gama de amigos (de esos que siempre están online), o familiares a los que mostrarle tu obra y preguntarle ¿qué entiendes del dibujo?. No te desanimes si alguno no lo entiende, pero si nadie lo entiende replantéate lo que has hecho.

Enviar al cliente el encargo final, a eso de las 2 de la madrugada, al principio serán unas de las experiencias más adrenalínicas que tendrás. Soñarás con el mail o la llamada de regreso que dirá “¡Me encantó! era exactamente lo que buscaba”, y tú, con satisfacción responderás “¡Genial que te haya gustado! (ahora págame)”, menos mal, sólo serán sueños, a nadie le gusta que le digan eso en paréntesis.

Aunque al principio es imposible evitarte esta experiencia, debes saber que si un cliente te buscó es porque ha visto lo que haces y confía en ti, y no lanzará tu obra por encima de tu cabeza enfurecido. Por mucho, te hará un par de correcciones.

Como el mundo no es rosa, y a veces te encontrarás con clientes exigentes, o algo más quisquillosos de lo común (o como, en su justo derecho, quieren exactamente lo que pidieron) a veces harán correcciones que parecen anular todo el trabajo anterior, y luego de un suspiro lanzas un “aquí vamos de nuevo…”. Muchas veces el trabajo digital es favorable en este sentido, pero en un trabajo tradicional, con acuarela, significa dedicar el mismo tiempo anterior a un proceso nuevo. Es importante que antes de comenzar a trabajar, dentro de lo posible, dejes en claro valores y números de correcciones. Y si ya en este punto no dijiste nada, con mucho tacto y franqueza, debes exponer lo que significará re-hacer un proceso luego de un trabajo ya terminado. Incluso, si el cliente decide no utilizar tu obra: “lo más correcto” es recibir una retribución de todas formas.

No todos los clientes son organizados y tiene las ideas claras, a veces tendrás que tratar con personas que son un poco dispersas, y otras muy estructuradas y “cuadradas”. Por eso los ilustradores somos participantes recurrentes a las Olimpiadas de la paciencia. Y por supuesto, cada uno tenemos esos “encantos”, que nos hacen tan especiales.

En este caso, el final, personalmente no me agradó del todo por no ser cercano a mis propios gustos, y también su similitud con los referentes. No obstante, el cliente quedó satisfecho y quiso añadir al encargo ilustraciones similares a la flor con lluvia de la esquina derecha.

 

 

 

Así, manteniendo el uso de texturas y colores, realicé estas ilustraciones, con la expresa indicacion de agregar la letra revoloteando por las figuras:

 

 

 

Aunque sea difícil este punto, no te desanimes nunca. Piensa que este trabajo es diferente a todos los otros, siempre recibirás los encargos más inesperados y las ideas más inusitadas, y en tus manos se gestarán los referentes de muchos nuevos ilustradores en el futuro. Nunca dejes de crecer visualmente, no te estanques, y cada encargo, por pequeño y sencillo sea el cliente, hazlo como si fuese tu trabajo más importante. Si este es tu sello, ten por seguro que tendrás clientes fieles y un trabajo del cual estarás orgulloso.

Hasta la próxima, y recuerden añadir La bitácora a su facebook, para recibir noticias y también participar de las encuestas! espero sus comentarios y saludos!!

 
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Publicado por en julio 3, 2011 en Ilustración

 

El humor y la ilustración

Cuando vas a aprender algo que te servirá para el resto de tu carrera, verás que todo pareciera confularse para enseñártelo, y esto te ocurrirá constantemente, sólo hay que estar atento.

Hay un dicho que dice “si no sabes qué escribir, comienza por escribir lo que sabes”.

El “no saber qué..” también ocurre en el arte gráfico; cuando se admira a alguien (en especial a los humoristas gráficos) tendemos a pensar que su mente es especial y muy distinta a la propia, y que constantemente se bombean ideas graciosas a su cerebro, de manera que jamás se enfrentan a este dilema “No se me ocurre nada”. La verdad es que a todos nos ocurre, la creatividad al fin de cuentas pareciera no tener mucho que ver con el azar y chispazos involuntarios. Es cierto que a veces vas a estar observando algo.. y se te vendrá una idea a la mente, pero ¿cómo provocar que el cerebro genere ideas más frecuentemente? Todo tiene una metodología, incluso la creatividad puede ser estimulada ejercitando la mente para esta “operación”.

Hace no mucho tuve la oportunidad de ir a una de las charlas “Jornadas de Humor”, donde exponían Claudia Celedón (actriz, que hace el ramo de Comedia en el instituto Arcos), Alberto Montt y Maliki (ilustradores y artistas gráficos). Realmente la risa es una de las características más preciadas del ser humano, la capacidad de tener humor y que te agraden ciertas cosas al punto de provocarte risa, o que te disgusten otras, que a otros sí les hacen reír. Aunque no hay una metodología ni una carrera o curso que “enseñe a hacer reír” a todo el mundo, sí hay un punto por donde empezar: ¿qué te hace reír a ti?

Es tan simple que parece una broma. Ya antes me había encontrado con esta vicisitud de.. o hacer lo que agrade a otros.. o hacer lo que me agrade a mí.

“Haz lo que a ti te haga reír… y si no les gusta a los monos ¡mala suerte!, no más”  (C.Celedón).

Y esa es la raíz de todo humorista… ahora, es cierto que todo artista es artista porque tiene un modo diferente de ver la vida, lo cierto es que no importa cuánto admires a otra persona y su ojo (o forma de ver las cosas), si no, que aprendas a valorar cómo las ves tú mismo, porque lo cierto es que nadie más las verá como tú, ya que eres único e irrepetible, no sólo en tus genes, apariencia, sentimientos, si no también en experiencia y conocimientos. Por eso es tan importante que aprendas a extraer la creatividad de tus propia vida y forma de ver las cosas.

Primero que nada hay personas que el humor lo tienen a flor de piel (muchas veces por la influencia del círculo familiar)… pero la otra mitad pueden aprender a ver las cosas con un humor. No se trata que todos vean las cosas color de rosa y se rían de nada, hay diferentes tipos de humor, el humor tierno, inocente, cruel, de la cintura para abajo, romántico, satírico, sarcástico o irónico, machista, feminista, las paradojas, los acertijos, el humor fácil, y el rebuscado… ¿cuál es el que te provoca una sonrisa en la cara? ¿qué fue lo más gracioso que te ocurrió hoy? o eso que estás pasando ¿de qué otra forma podrías verlo?

Otro aspecto, no siempre fácil de potenciar es el reírse de uno mismo, no cualquiera es capaz de decir “Qué ridículo soy” y reírse de ello con alegría (la idea no es masacrar el autoestima, si no, aceptarse como uno es y tomarlo con humor). Es popular el dicho “detrás de todo gran humorista, siempre hay un hombre amargado” (M.Twain) podría reflejar también el que el humor no nace sólo de la alegría, de la energía y la risa inocente, si no también de la tristeza, injusticia y amargura.

Tampoco se trata que todo lo que hagas tiene que provocar risa… es cierto que el humor y la risa acercan más pregnantemente al público (al que le causa gracia de acuerdo a su propio humor) porque a todos nos gusta reír; pero hay otras facetas que también debes explotar. Si lo que haces no es “chistoso”, si no es más bien reflexivo, o místico, o triste, no es algo que esté mal, todo lo contrario, es lo que nace de ti en ese momento. Y así como la risa, de seguro muchas personas se sentirán reflejadas en tu forma de expresarte.

Liniers, uno de mis favoritos 🙂

 
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Publicado por en junio 7, 2011 en Ilustración

 

Principios de la ilustración (Lawrence Zeegen)

¿Por qué comenzaste a dibujar?… esa pregunta seguro la puedes responder, y casi recordar el suceso que marcó en tu vida el dibujo como una pasión, o varios sucesos. pero ¿Por qué continuaste dibujando…? ¿Qué te hizo seguir con o sin ganas de dibujar a tomar esto como un estilo de vida?

La verdad, no es muy simple de responder. Hay un punto en la carrera en que comienzas a cuestionarte muchas cosas.. cuando te encuentras con la realidad y hay una competencia voraz de grandes y talentosos dibujantes, y estás del otro lado tú y tu propio nivel, y no sabes cómo comenzar. Por que no quieres ser mediocre, o “del montón”, pero hay una brecha de conocimiento y experiencia que aún no has cruzado, que aún no has vivido. ¿Por qué seguir dibujando?… en parte, estoy convencida que cada persona tiene un lenguaje propio. Está el escribir, el actuar, el mirar, el hablar, el cantar, y el dibujar… entre muchos otros. Y cada persona domina mejor una forma de todas ellas…  es eso “que no hay un día que no puedes dejar de hacer”, y lo necesitas, no como una droga, ni un vicio, si no como una forma de expresarte, de botar lo que tienes dentro, como un cantante de hermosa voz libera su alma en una canción, un dibujante libera su alma en una obra.

Bueno, y buscando libros de ilustración me encontré con este: Principios de Ilustración de Lawrence Zeegen. Les puedo decir que es bueno.. porque mientras lo leo me entran unas ganas terribles de dibujar ¡lo que sea!, y eso que el estilo del libro en sí (seguramente muy impregnado de los referentes y preferencias del autor) no tienen nada que ver conmigo…. es inevitable reconocer ahí a un maestro. Lo que les traigo es la, digamos, primera parte del libro, que llamaría:

Pasos a seguir para una ilustración bien argumentada

1. Informe de proyecto o “el encargo”. Esto es lo primero que recibes, una hoja con un texto sobre un tema X, o una idea de un evento que va a ocurrir en Honolulu, o un concepto de dónde va a aparecer la ilustración. Debes poner atención y leer, releer, escuchar, analizar bien el material que llegó a tus manos. Impregnarte y sumergirte en él, hasta que estés seguro de entenderlo.

2. Reunión informativa. Una reunión no siempre es personal, muchas veces es por internet, e-mail, teléfono, pero intenta siempre que sea personal u oral, ya que hay cosas que se pierden en los otros medios. De esta conversación con el cliente o quien te supervisará, saldrán notas e interpretaciones que te serán muy útiles, seguramente tú y el cliente pensaron algo sobre el tema de formas diferentes, que se complementará al hablar juntos.

3. Bloc de dibujo. Seguro tus manos estarán ansiosas de plasmar algunas ideas, da igual del modo que lo hagas, si escritas o visuales, todo tiene que ser anotado, sea formal, chistoso, defectuoso, todo sirve. Es importante sí que anotes suficiente información acerca de la idea para poder recordarla al verla días o semanas después. Es importante llevar tu bloc, o uno de ellos (suele pasar que tenemos más de uno), a todos lados, nunca sabes dónde vendrá tu mejor idea.. y cuánto se distorcionará antes de llegar al papel y lápiz más cercano.

4. Documentación. Es decir, sumergirte en el tema. Investiga palabras asociadas, temas asociados, ilustraciones que hayan aparecido antes en la publicación que te contrató, o ilustraciones de situaciones similares, fotografías, historia, etc. También servirá de mucho disfrutar esta etapa escapándote un poco a cosas que no están relacionadas directamente, pero siempre manteniendo un margen que te permita mantener el objetivo a la vista.

5. Carpeta de proyecto. Es importante organizar y ordenar toda la información recopilada, las notas, las primeras ideas, los mails, etc. sobre el proyecto de una forma que siempre tengas a la mano todo lo que necesitas saber o recurrir a la hora de comenzar a trabajar en el proyecto. Puedes frabricar tu “hacedor de ideas”  e incluirlo también, y no sólo en el formato de una carpeta convencional, también rodear las paredes de objetos, fotografías y dibujos relacionados, te ayudará a enfocarte en tu tarea.

6. Ambiente de trabajo creativo. Esto no significa sólo tener ordenada tu mesa de trabajo, si no, utilizar esas mañas que tienes tú mismo para generar ideas. Pasear, o ir a un lugar que te inspire, ver ilustraciones, fotografías o películas que te inspiren… rodearte de todo aquello que incentivará tu creatividad.

7. Brainstorming. Todas las ideas valen, aunque no estés totalmente convencido (porque sea aburrida, o te suene conocida), en esta etapa es importante plantear la mayor cantidad de ideas para la ilustración final.

8. Concretar conceptos. Ahora comienza la discriminación, debes llegar a la idea que equilibre realismo y creatividad. Con realismo quiero decir que cumpla su función como ilustración, que comunique claramente un mensaje determinado e invite al lector o espectador a saber más del tema. Y creatividad, pues, que sea innovador, rompedor, sin que ello signifique poca comprensión del mensaje.

9. Bocetear. Todo dibujante sabe que las primeras líneas jamás deberían ver la luz pública, por eso es importante que vayas escalando. No te preocupes por la apariencia de las primeras líneas: Sé Libre y hazlo a Tú “pinta”. Primero harás bocetos rápidos y en base a ellos, bocetos más terminados que presentarás al cliente. Es importantísimo poder también explicar al cliente todo aquello que él no va a ver en tu boceto, pero que tú sí tienes claro en tu imaginación (color, dinamismo, texturas, etc.)

10. Aplicar color y técnica. Con una idea ya definida, se comenzará a trabajar sobre pruebas, aplicando color o técnicas. Incluso en este punto, muchas veces el cliente pedirá un cambio (¿tal vez tu explicación del boceto exageró? ¿él lo imaginó de otra forma? los problemas de comunicación son comunes, no te desanimes).

A partir de este punto, el libro comienza a comentar sobre la técnica, porque “el medio es el mensaje”. Un ilustrador no sólo trasmite con formas y figuras… la forma en que lo haces trasmite mucho, como una sonrisa diciendo una crítica o un ceño fruncido mientras dices un halago, lo haría.

Nos estamos leyendo! Espero les sea de mucha ayuda 🙂

 
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Publicado por en abril 12, 2011 en Ilustración, Referentes

 

Ataque de los fanzines!

Hola hola otra vez! Esta vez les traigo ooootro aviso.

Para quien no sabe qué es un Fanzine, pues es un comic no muy largo en versión impresa, que hace algún dibujante aficionado y decide venderlo para compartir su arte. Pues, ya desde marzo se estuvieron reuniendo un grupo de ellos en Plaza Brasil (metro cumming L5, o metro república L1, Santiago) para compartir con otros dibujantes y me imagino que estuvo genialoso!… porque me olvidé ir. u.u  Espero ir el 2 de abril (o sea, este sábado) ah! y se está realizando 16 – 21 hrs.. como para que no se tuesten al sol, aunque de todos modos es muy linda esa plaza y hay harto para pasarla bien.

Así que están cordialmente invitados, si quieren saber más, pues esta es la página de facebook. Pueden dejar su link a sus trabajos ahí mismo para que los conozcan, y también hacer amistades en la red de comiqueros chilenos. 🙂

Y lo otro es esta exposición de las mejores obras que postularon para esta convocatoria de dibujantes de animé y manga chileno. Sinceramente creo que será genial, ya que hay muy buenos artistas. De que ya estaba todo listo me enteré por Victoria Rivero, una gran dibujante de animé que sigo hace muchos años, desde que eran grupo acuarela.

 

Pues, nada, espero que la pasen muy bien si van a alguna de las dos!!!

hasta luego 🙂

 
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Publicado por en marzo 31, 2011 en Ilustración

 

Les cuento…

Que la semana pasada en el metro vi este afiche. Y quedé tan entusiasmada con este plus-involuntario de tiempo que tengo, que dejé hasta última hora revisar la página de Balmaceda Arte Joven (típico). Así que el viernes pasado fui a inscribirme pasado medio día (obvio.. no recordé que la gente almuerza y tuve que esperar a la recepcionista) … y bueno, eso fue todo. Porque el jueves voy a la audición.. con mi carpeta de dibujitos a cuestas. Poco sé yo de qué se trata, pero este es el taller en el que me inscribí: Monos con cuento. Es de ilustración, es de lo que me gusta, y supongo que habrá harta gente que le gusta lo que me gusta a mí, en fin, estoy más feliz que perro con dos colas…

Si no hubiera sido tan dejada de verlo a última hora le hubiera avisado a medio mundo… inclusive a uds. Pero mis fuentes de información son la “casualidad” e Ilustrared. Que si no me hubieran despedido del trabajo, no lo hubiese vuelto a ver ni por si acaso.

Y por lo demás chicos, estoy aceptando lo que se dice: “comisiones”, “encargos”, “recomendaciones”, etc. porque ¡Tengo tiempooo!

En el próximo post seguiré con lo de deviantart, I promise it!

Que tengan una hermosa semana nóveles y maestros dibujantes!! 🙂

 

 
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Publicado por en marzo 27, 2011 en Ilustración

 

Ilustradora de e-learning

El descubrimiento del día, en verdad, la recomendación del día:

http://es.fordesigner.com/

Gracias a mi sub-supervisor de práctica. No sé para qué es el ES (de la dirección http) si sigue en inglés todo… pero no se perderán, es fácil de encontrar lo que desean. Fíjense que al entrar en cada sección abajo dice Páginas 1, 2, 3… etc. Y al costado derecho salen algunas muestras de los mejores o mas usados recursos de la categoría. Una vez elijan uno, abajo dirá Download 1, Download 2.. etc. Prueben con cualquiera de los tres, quizás alguno le funcione y otro no. Pero los 3 son el mismo link :).

Con ese tipo de páginas podemos trabajar más fácilmente en la empresa. Eso sí, me preocupó ver unas ilustraciones que si no eran de Jason Brook, eran muy parecidas.

Por fin les puedo mostrar algo de lo que hago en la pega. Ahora mismo estamos trabajando para una empresa que capacitará sobre el Estrés, los hábitos saludables, la alimentación, los hábitos al conducir. Ya estamos terminando el módulo 4.

disculpen la inmensa marca de agua, pero pese a que hice estas imágenes (o parte de ellas), están a atentas a contratos con derechos reservados 😛

Como ilustradora lo que hago es ocupar los recursos ya existentes de otros cursos de e-learning, o crearlos en base a algún pedido específico de un cliente. Como bien me dijo un colega hoy: no me aburre el trabajo. Jaja. No, en realidad no me aburre para nada, hay mil desafíos. De repente leo el guión y digo ¡uf! porque piden cosas que no están hechas de antes y deben empezarse de cero. Eso significa un poco más de tiempo y dedicación (se supone que entre menos tiempo ocupemos en un curso mejor para nosotros), pero con el tiempo me he dado cuenta que aunque hay que hacerlo con velocidad hay detalles que no se me pueden olvidar pase lo que pase. Son detalles tan mínimos que hacen de la ilustración algo diferente. Por ejemplo, las sombras, la dirección de la luz, la perspectiva correcta, las expresiones, las manos bien hechas, el contraste entre el personaje (o lo que se quiera destacar de la escena) y el resto de la imagen, para lo que principalmente se usa el color.

Por eso, hay mejores formas de hacer un trabajo y otras más difíciles o confusas, para el futuro espectador. Por ejemplo hoy tuve que hacer un conductor en el auto haciendose sombra con su mano, mientras manejaba con la otra, porque la luz le llegaba de frente. Entonces pensé hacerlo de perfil, y hacer un paisaje de colores muy brillantes, un cielo despejado. Pero no era la forma más diciente al parecer, me aconsejaron rehacerlo de frente, y con zoom hacia el parabrisas.

Hoy mismo nos reunió Pedro, el digamos, Embajador de la oficina chilena allá en España, y nos habló sobre como la empresa se ha expandido a no sólo la creación de estos cd, si no a toda una consultoría de capacitaciones. Suena tan bonito. Y pensar que mis ilustraciones serán vistas por personas con deseos de aprender. Ahora que lo pienso, entre más difícil la escena, más aprendo.. y entre más me guste y sea clara una ilustración, más le gustará al espectador.

Espero poder mostrarles una sorpresita la proxima vez.  Nos leemos!

Chau!

 
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Publicado por en julio 7, 2010 en Bitácora diaria, Ilustración

 

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